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5 técnicas fáciles que puedes hacer con acuarelas

Si te gusta pintar con acuarelas, es momento de probar ciertas técnicas que te pueden brindar resultados interesantes en cada una de tus obras. Muchas de ellas sirven para crear fondos o lograr texturas visuales que ayuden a crear cuadros impactantes.

Es por eso que, en esta lección, te mostraré 5 técnicas fáciles que puedes hacer con tus acuarelas usando materiales que tengas disponible en casa. Cada apartado estará acompañado con un video para que puedas visualizar en vivo el proceso y el resultado final 😉

Técnica 1= Acuarela con sal

Tal como su nombre lo indica, esta técnica requiere del uso de la sal para lograr una interesante textura en tus fondos. Lo único que tienes que hacer es plasmar una acuarela diluida en agua sobre el papel y, de a poco, esparcir pequeñas cantidades de sal con tus dedos o con una cucharita.

Una vez seco, saca con cuidado la sal con tus dedos y verás cómo queda un interesante efecto granulado. Como comentario adicional, pienso que luciría mejor con sal gruesa, pero como soy más de la sal fina, pues no me quedó de otra más que probarla :p

Técnica 2= Marcador diluido con acuarela

Para este ejercicio, es necesario que tengas a mano un marcador común a base de agua para un mejor resultado. Lo que tienes que hacer es dibujar alguna figura sencilla con tu marcador (ya sean círculos, corazones o estrellas). Luego, con un pincel humedecido, pásale una capa de acuarela y verás cómo se diluye tu dibujo fácilmente.

Lo bueno de esta técnica es que puedes usarlo para crear tarjetas artesanales. Además, es posible combinar dibujo con pintura para algún cuadro u objeto de decoración que tengas en mente. ¿Qué tal crear una composición para aplicar la técnica de decoupage con tus propios diseños?

Técnica 3= Pintando acuarelas con esponja

Aquí prescindiremos por completo del pincel porque usaremos una esponja para pintar con acuarelas. Lo que debes hacer es pasar la esponja por la pastilla previamente humedecida y darle toquecitos al soporte para lograr un efecto similar al de las nubes.

Como un consejo adicional, te recomiendo que no diluyas demasiado la pastilla de acuarela porque puedes arruinar el efecto y terminarías por cubrir el papel al completo. Esta técnica requiere de mucha paciencia, pero con un poco de práctica lograrás un buen resultado.

Técnica 4= Stencil con anotadores

Si tienes un pack de anotadores en casa (de esos que tienen adhesivo en la parte superior), prueba con pegarlos sobre tu papel y pásales encima una capa de acuarela de un solo color. Antes de que se seque, retira las hojitas y verás qué lindas huellas dejaron sobre la superficie.

En caso de que no tengas un anotador, prueba con usar papel normal. Eso sí, ten cuidado de que no se deslice a la hora de pintar con tu acuarela. Otra opción es la cinta de papel, pero puede dañar la superficie y el resultado queda poco estético a la vista.

Técnica 5= Acuarela y lavandina

La lavandina se suele usar para blanquear las ropas y quitar manchas difíciles. Sin embargo, también puedes usarlas para “desteñir” algunas partes de tu soporte previamente pintado en acuarela. Lo ideal es que el papel se encuentre humedecido para lograr ese efecto de “goteo” que puedes lograr esparciendo el líquido con una cucharita o potecito.

En caso de que tengas un gotero, te recomiendo usarlo para gotear la lavandina con él. Te resultará mucho más fácil y práctico que arrojar un chorro con el pote o una cuchara. Eso sí, hazlo en un sitio bien ventilado porque posee un olor muy fuerte.

¿Cuál de todas estas técnicas te resultaron más interesantes? ¿Te interesaría que profundizara más sobre algunas de ellas? Puedes dejar tus comentarios o suscribirte al newsletter para recibir contenido especializado por correo.

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Las 5 técnicas de pintura más fáciles de aprender en poco tiempo

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Si te interesa la pintura, debes saber que existen distintas técnicas que puedes aprender fácilmente. Solo falta que tengas la disciplina necesaria para realizar tus prácticas y obtener los mejores resultados.

Es por eso que, en esta lección, te diré cuáles son las técnicas de pintura más fáciles de dominar en poco tiempo para que puedas iniciar ya mismo con tu sueño de ser un gran artista.

1- La témpera

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La témpera es una técnica de pintura que se puede diluir con agua y se caracteriza por su bajo coste en el mercado. Es de secado rápido y se recomienda su uso para los principiantes que deben aprender a mezclar los colores y familiarizarse con el uso de los pinceles chatos.

Este tipo de pintura se puede plasmar sobre papel, cartón, lienzo y madera. Muchos los usan para pintar figuras planas y que no requieran de degradados, aunque también es posible hacer uno si tienes paciencia.

2- El acrílico

Imagen de Thanks for your Like • donations welcome en Pixabay

La pintura acrílica es similar a la témpera en cuanto al secado rápido y capacidad de diluirlo con agua. Sin embargo, ésta está hecha con un compuesto plástico que es difícil de remover una vez seca, por lo que se recomienda limpiar inmediatamente la paleta y los pinceles después de su uso.

La ventaja del acrílico es que permite crear efectos de transparencia al diluirlo con agua, lo que amplia las posibilidades del pintor de realizar composiciones creativas difíciles de lograrlo con la témpera o el óleo. El acrílico se puede plasmar sobre tela, madera, cartón y cerámica.

3- Pasteles

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Los pasteles son una variante de crayones o tizas hechos con una mezcla de pigmentos y aglutinantes. Puedes realizar diferentes trazos con ellos y lograr efectos similares al de una pintura o, incluso, al de un lapiz de color.

Eso sí, este material solo es apto para su uso en papel o cartón dúplex imprimado, debido a su inconsistencia con superficies que no cuenten con poros para adherirse a ellos fácilmente.

4- Pintura al óleo

Imagen de Free Photos en Pixabay

La pintura al óleo es la técnica más popular en el arte, debido a que los grandes artistas de antaño la usaron para plasmar sus obras y trascender en la historia. A diferencia de la témpera o el acrílico, el óleo es de secado lento, por lo que puedes trabajar los degradados con facilidad sin temor a que se seque durante el proceso.

El óleo se diluye con aceite, aguarrás y trementina. También te permite corregir imperfecciones y tomarte tu tiempo para terminar tu cuadro. El mismo es apto para plasmarlo sobre tela, madera o cartón imprimado.

5- Acuarelas

Imagen de Free-Photos en Pixabay

De la lista, las acuarelas son las más infravaloradas por muchos principiantes. Sin embargo, es de las más interesantes de aprender porque son prácticas de llevar en tu bolso y pintar cualquier paisaje u objeto de forma rápida.

Generalmente, las acuarelas vienen en forma de pastillas o tubos que debes diluirlas con agua. Los pinceles recomendables son los redondos porque abarcan más pigmentos al ser humedecidos. Esta técnica solo se puede usar sobre papel y secan mucho más rápido que la témpera y el acrílico.

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Espero que esta lista te haya sido útil para conocer las técnicas de pintura más fáciles de aprender en un tiempo breve. Si quieres saber más sobre el arte y el diseño, te invito a suscribirte al newsletter para recibir contenidos especializados por correo.

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¿Qué es el Decoupage y cuál es su diferencia con el Collage?

Si has tenido la oportunidad de visitar alguna tienda decorativa, de seguro habrás encontrado algún objeto con un pedazo de papel pegado sobre su superficie de tal forma que pareciera ser una pintura. Sin embargo, lo que estás viendo es en realidad la técnica del Decoupage.

Pero, ¿Qué es el decoupage? ¿Y por qué es tan usado en el ámbito de la pintura y la decoración de interiores? En esta lección teórica-práctica te explicaré de qué trata esa técnica, cuáles son las ligeras diferencias que tiene con el collage y cómo se hace un decoupage rápido y fácil.

¿Qué es el Decoupage?

El decoupage es una técnica artística donde una persona recorta pedazos de papel o servilleta para pegarlos sobre cualquier superficie. El término proviene del francés découper y significa “recortar”. En la siguiente imagen podrás apreciar un ejemplo de decoupage hecho sobre un plato de cerámica.

CreAtions2007 – Wikipedia

Breve historia del Decoupage

La técnica del decoupage es más antigua de lo que se piensa. Muchos piensan que proviene de las tribus antiguas, quienes decoraban las tumbas de sus familiares fallecidos con el decoupage. Otros, señalan que esta técnica se origina en China para decorar cajas y ventanas.

El decoupage también estuvo presente en la Edad Media Europea y en el Renacimiento, entre los que destacan los artistas florentinos y venecianos. Y en la década del 70, la técnica se volvió muy popular en Estados Unidos donde se aplicaba los recortes de papeles en objetos cotidianos.

Decoupage estilo florentino. Autor de la foto: OttawaAC

Diferencias entre el decoupage y el collage

Tanto el decoupage como el collage son técnicas donde se pegan pedazos de papel, tela o servilleta sobre una superficie. Sin embargo, existe una ligera diferencia en cuanto al tratamiento y a la aplicación.

En primer lugar, el collage en sí se caracteriza por la superposición que puedes hacer de las imágenes recortadas. Además, es más común verlo en cuadros que en algún objeto decorativo. Y, por último, en el collage no se aplica ningún barniz sobre su superficie como en el decoupage.

Ejemplo de collage donde se superponen fotos y fragmentos de textos

El decoupage, por otro lado, puede ser tan solo una imagen recortada y pegada sobre cualquier objeto cotidiano, ya sea un frasco de vidrio, una caja de madera o una maceta de cerámica. Y para crear esa sensación de pintura característico del decoupage, se aplica varias capas de barníz sobre el papel hasta igualarlo con la superficie.

Ejemplo de decoupage sobre una caja de madera

Con el surgimiento de las servilletas especiales para decoupage, ya no fue necesario aplicar tantas capas de barniz para lograr el efecto deseado. Esto se debe a su delgado grosor y a la fragilidad propia de las servilletas que tienden a quebrarse a causa de la humedad.

¿Se puede hacer decoupage sin necesidad de servilletas?

Es cierto que una servilleta posee muchas cualidades, pero son muy caras de conseguir al igual que el barniz. Pero que esto no te limite a explorar una de las técnicas más populares entre los amantes de la decoración y el diseño interior.

En el ejemplo que te voy a dar, aprenderás a aplicar el decoupage sobre un pote de helado y usando tan solo unos recortes de diarios o revistas, cola blanca escolar y un pincel bien ancho para pasarle el pegamento en ambos lados de cada pedacito de papel.

En el siguiente video, podrás apreciar cómo he aplicado la técnica del decoupage para transformar ese simple pote de helado de plástico en un fantástico pote para guardar cosas o usarlo de portalápices.

Y aquí está el resultado final 😀

¿Por qué el decoupage es tan popular?

Una de las ventajas del decoupage es que es de las técnicas artísticas más fáciles de aprender. Es decir, no requiere de tantos procesos para lograr un resultado increíble a la hora de decorar objetos cotidianos.

Además, puedes lograr que tus cajitas o macetas muestren un aspecto más artístico, simulando a la perfección a una pintura plasmada sobre sus superficies. Ideal para aquellos que no se les dan bien con el uso del pincel y pintura.

Otra gran ventaja es que el decoupage ofrece la posibilidad de combinarlo con muchas otras técnicas de decoración. En el ejemplo anterior, combiné la superposición de papeles propias de un collage pero aplicándolos con la técnica del decoupage.

Sin embargo, están aquellos que lo combinan con el craquelado, el stencil e incluso la pintura. En las siguentes imágenes podrás apreciar algunos ejemplos de fantásticas combinaciones del decoupage con otras técnicas decorativas.

Espero que hayas aprendido sobre lo que es el decoupage y te animes a probar con cualquier cajita o frasco para reciclarlos. Si te interesa saber más sobre el arte y el diseño, te invito a suscribirte al newsletter 😉

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Como crear una rosa con cartón para huevos

Cada vez son más los artistas, diseñadores y decoradores que optan por el reciclaje creativo para elaborar manualidades, obras de arte y mucho más. Es por eso que, en esta lección, te mostraré cómo crear una hermosa rosa hecha con caja de cartón para huevos usando materiales que tengas disponible en tu casa.

Puedes crear varias rosas de cartón y armar un ramo para adornar algún rincón de tu casa u oficina. También puedes usarlos de apliques para alguna obra u montaje decorativo. Lo bueno de esta manualidad es que puedes aprovechar los huecos de una huevera para, así, obtener resultados rápidos y sin complicaciones.

Estas cuatro rosas las hice con un enorme cartón de huevos. Pronto haré más para armar un ramo

Materiales que vas a necesitar

1 huevera o caja para huevos de cartón

1 cutter o tijera

1 pajita (popote según la región)

1 cinta de papel (si consigues cinta de color verde, mucho mejor)

Témperas o pintura acrílica color verde y rojo (si vas a hacer más de una rosa, píntalas de diferentes colores. En la naturaleza existen las rosas rojas, amarillas, rosadas y blancas, pero también puedes pintarlas de azul, negro o violeta si lo prefieres)

Alternativa a las témperas y acrílicos

En mi caso personal, decidí mezclar colorantes alimenticios con plasticola escolar. Generalmente se los usa para pintar simil vitral, pero me gustó el efecto que esta pintura casera dejó sobre la superficie del cartón. Solo la rosa blanca fue pintada con acrílico porque no existe el colorante “blanco” hasta donde sé XD

Cómo hacer una rosa roja paso a paso

Al costado de una huevera suele haber unos huecos pequeños que sirven para sujetar los bordes de la caja durante su transporte. Entresaca uno o dos con el cúter y divídelos por la mitad para colocar en el centro de la rosa.

En total debes tener tres huecos cortados: uno para que sea el sépalo y los otros dos para que sean los pétalos externos e internos de la rosa. Una vez conseguido esas partes, redondea las puntas con una tijera para un mejor acabado.

Haz un agujero en la base del sépalo para introducir la pajita en él. Luego, píntalo de verde en ambos lados y déjalo secar. Con un rojo intenso, pinta los pétalos de la rosa y pásale una o dos capas de pintura por los bordes para que no se vea el color del cartón.

Asegúrate de que el sépalo esté bien seco para introducirle la pajita, la cual serviría como su tallo. Una vez hecho esto, rodéalo con la cinta de papel tal como lo estás viendo. Esta cinta cumple doble función: sujetar la pajita del cartón y servir de soporte para la pintura (porque el plástico de la pajita son muy impermeables).

Pinta tallo con el mismo vede que tu sépalo. No te preocupes si las tonalidades varían o si la cinta se arruga, eso le daría un efecto más interesante a tu rosa. Recuerda dejarlo secar muy bien antes de armar la flor.

Asegúrate que tu cartón esté bien seco para que el pegamento pueda adherirse fácilmente. Normalmente tiende a ablandarse por la pintura, pero una vez seco, recupera su dureza y es más fácil de manejar.

Añade pegamento dentro de las paredes internas del sépalo y, luego, inserta en él la primera hilera de pétalos rojos. Tienen que quedarte más o menos como en la imagen. Presiona bien para que el pegamento surja efecto.

El segundo hueco rojo debe ser colocado dentro del primero solo que, esta vez, los pétalos deben sobresalir por los huecos para formar así el efecto de la rosa. Aquí debes presionar muy bien para que tome al pegamento y evite deslizarse.

Los dos pedazos de cartón rojos sobrantes puedes colocarlos como gustes. Si tienen dobleces, aprovéchalos para armar el pliegue característico de las rosas. Tiene que quedarte más o menos como lo ves en la imagen.

Algunos consejos

Puedes doblar ligeramente las puntas de los pétalos y sépalos con el borde de tu lápiz para, así, darle un aire más realista.

Si optas por hacer un ramo, asegúrate de conseguir diferentes extensiones de pajitas para alterar sus alturas. También puedes cortar una pajita por la mitad para aprovechar recursos y evitar los residuos.

Para el florero, prueba con usar una botella de plástico o frasco de vidrio. Que tu decoración sea 100% hecho con materiales reciclados.

En caso de que quieras que tus rosas duren por más tiempo, barnízalos con barníz transparente en líquido o aerosol.

Si no quieres hacer las rosas con tallos, puedes usarlas para decorar el marco de un espejo o añadirle a alguna base para souvenir. Eso va por cuenta tuya.

¿Qué color de rosa te gusta más? ¡Yo adoré el azul! 😀

Espero que esta lección te sirva y puedas crear tu propio ramo de rosas para adornar tu escritorio. Si quieres ver más lecciones como esta, te invito a explorar los demás talleres de este blog y suscribirte a la newsletter para recibir contenido especializado por correo.

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5 ideas con semillas de jacaranda para regalar o autorregalarse

Las semillas de jacarandá provienen de un árbol del mismo nombre y que se encuentra con gran abundancia en Paraguay. La particularidad de esta semilla es que cuenta con una carcasa bien maleable pero resistente al paso del tiempo, haciéndola idónea para crear toda clase de manualidades.

Hace tiempo había publicado un post donde enseñaba a pintar semillas de jacarandá para adorno. Sin embargo, también puedes usarlas como llaveros, medallones para collar, pulseras y mucho más. Es por eso que, si quieres darle un bonito regalo a tu mamá, iniciar un emprendimiento o lucir un accesorio creativo y original, explora las siguientes ideas que te presentaré a continuación 😉

Idea n° 1= Pulsera con semilla de jacarandá

Haz dos perforaciones con la punta de una tijera grande sobre los dos costados de una semilla de jacaranda. Luego, pásale una capa de pintura blanca o base para imprimación sobre ambos lados. Una vez seco, dibuja el diseño que quieras sobre la superficie lisa de la semilla y píntalo con los colores que quieras. Las pinturas recomendadas son el acrílico en pote.

Para que dure más tiempo, no te olvides de barnizarlo con barníz líquido transparente. Déjalo secar muy bien y, después, introduce un lindo lazo por los dos agujeros, el cual debe quedar en la parte inferior de tu semilla para que quede como en la imagen de arriba.

Idea n° 2= Medallón para collar

Las semillas de jacarandá tienen una especie de piquito o punta en la parte superior. Cerca de ahí, debes hacer una perforación con la punta de una tijera grande. Trata de no hacerlo tan al extremo porque se puede romper con facilidad.

Una vez hecha la perforación, pásale la pintura blanca para resaltar los colores de tu futuro medallón. Luego, pinta el diseño que quieras con pintura neón o acrílico y barnízalo con barníz transparente. Una vez seco, puedes introducir un cordón bien largo y hacer un nudo para lucir el medallón en tu pecho.

En este video podrán apreciar el proceso del medallón y la pulsera 😉

Idea n° 3= Llavero personalizado

Aquí debes realizar una perforación similar al del medallón. La única diferencia es que la semilla de jacarandá se usará como llavero. Si tienes algún cordón colorido, cadena o argolla de llavero que te sobre, introdúcelo por el agujero y lleva tus llaves con estilo.

Idea n° 4= Adorno para vincha

Si tienes una vincha colorida y sin diseño, prueba con adornarla con una semilla de jacarandá tamaño pequeño a mediano y luce bien coqueta en cada una de tus salidas. En este caso, no debes hacer ninguna perforación, solo pegarlo con silicona o pegamento artesanal para fijarlo bien en tu accesorio.

Idea n° 5= Detalle para un sombrero

Si acostumbras a usar sombreros y quieres brindarle de mayor personalidad, prueba con adornarlo con una semilla de jacarandá. En este caso, haz dos perforaciones en la punta y base de tu semilla, déjalo al natural o pásale una pintura blanca para resaltar los colores. Luego, busca un lindo hilo grueso o cinta de color y pásalo por los agujeros. Te tiene que quedar como en la imagen 🙂

Espero que estas ideas te gusten y puedas llevarlas a cabo para hacer un regalo muy especial. Si quieres aprender más sobre el arte y el diseño, te invito a suscribirte a este blog para recibir contenido adicional por correo.

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Cómo crear un diario creativo y original

Muchas personas acostumbran a escribir o dibujar sobre sus vivencias en un diario personal. Sin embargo, algunos van más allá y deciden crear un diario creativo y original utilizando sus habilidades artísticas para decorar la tapa o narrar sus vivencias de un modo único.

Si eres de esas personas, aquí te muestro cómo crear un diario creativo y original decorando las tapas de un cuaderno común de colegio con tus dibujos. Es muy fácil y no te llevará mucho tiempo. ¡Hasta puedes usar los materiales que tengas en tu casa! Y sin nada más que añadir, comencemos.

¿Qué materiales voy a necesitar?

Lo que vas a necesitar es un cuaderno común de colegio (de esos que venden en las librerías escolares), cartulina blanca o papel de dibujo con buen grosor para forrar la tapa, lápiz de papel serie 2B para hacer el boceto, superfino negro, plasticola escolar en barra o líquida y marcadores de colores.

Sugerencia: Al ser dibujo, lo recomendable es que consigas un papel contact transparente o cinta sckocht transparente gruesa para proteger tu tapa.

¿Cómo decorar la tapa?

Lo primero que debes hacer es decorar la tapa de tu futuro diario creativo. En el siguiente video sabrás cómo hacerlo o, si lo prefieres, puedes leer el texto que dejaré más abajo.

Primer paso: Asegúrate de que el papel o cartulina sea un poco más grande que las tapas de tu cuaderno. En mi caso usé dos papeles tamaño A4 porque quería dejar descubierto el lomo, pero puedes forrar esa parte también.

Segundo paso: Esparce el pegamento sobre una tapa y presiona la cartulina o papel con ambas manos para que se pegue bien.

Tercer paso: Abre tu cuaderno y dobla las partes sobrantes. Puedes cortar las dos puntas primero en forma rectangular o en diagonal al ras de las puntas para que te sea más fácil doblarlo.

Cuarto paso: Pasa el pegamento en las pestañas y dóblalos al interior de la tapa para lograr un buen acabado.

¡No te olvides de la otra tapa! Aquí solo sigue los pasos mencionados anteriormente 😉

Quinto paso: Con tu lápiz de papel realiza el diseño que quieras usar para crear tu diario creativo. Puede ser un búho, un corazón o un gatito.

Sexto paso: Delinea tu boceto con un superfino para definir tus líneas. También puedes añadirle detalles como algún sombreado, un accesorio o alguna expresión graciosa.

Séptimo paso: Comencemos a colorear el fondo. Toma un color de marcador y haz alguna forma sencilla como nubes o estrellas. Así no será necesario colorear el fondo por completo y brindará un aspecto más prolijo.

Octavo paso: Aquí ya es hora de colorear tu diseño. Usa todos los colores que quieras y, por supuesto, no está de más añadir algún otro detalle con tu marcador, como algún lunar en tu sol.

Una vez finalizado el proceso, fórralo con el papel contact transparente o cinta ancha transparente y así protegerás tu dibujo contra la suciedad o humedad.

¿De qué está compuesto un diario creativo personal?

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Ya hemos visto cómo decorar la tapa de un cuaderno común para transformarlo en un diario personal bien creativo y original. Sin embargo, todavía queda por resolver la duda de qué puede contener el interior de este tipo de diarios.

Aquí ya puedes dar rienda sueltas a tu imaginación y usar los materiales que quieras: bolígrafos, superfino, lápices de colores, marcadores y más. Además de escribir, puedes dibujar, pintar, hacer collage con fotos o pegar figuritas. No hay límites para crear un diario creativo a tu propio gusto.

En las siguientes imágenes podrás ver ejemplos de diarios creativos subidos por usuarios de internet. Espero que esto te sirva para inspirarte y ponerte en campaña con tus habilidades artísticas.

¿Te ha gustado este tutorial? ¡Suscríbete al Newsletter! 😀

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Cómo crear un monedero con Goma Eva

Si necesitas guardar tus monedas en un lugar seguro o quieres regalarle un bonito regalo a tu mamá en su día, aprende a crear un hermoso monedero con Goma Eva (o Foami, para otras regiones que lo conocen por ese término) cuya textura se asemeja al de una toalla. Es muy sencillo y puedes incluir en él una hermosa tarjeta de felicitaciones.

En el siguiente video te mostraré cómo crear un monedero con Goma Eva. Pero si lo prefieres, puedes leer el texto que colocaré a continuación en donde también incluiré algunas recomendaciones y una selección de imágenes donde se vean diferentes modelos de monederos y billeteras para mayor inspiración.

Materiales que vas a necesitar

1 molde de cartón 12 x 28 cm aproximado para crear el monedero (también puedes usar una billetera vieja para crear dicho molde)

Lápiz blanco (si trabajas con Goma Eva color negro) o lápiz de papel

1 plancha de Goma Eva tipo toalla (si tienes dos de diferentes colores mejor, así añadimos los detalles)

silicona de pistola o cola artesanal

Tijeras para manualidades

Procedimiento

1- Con la ayuda de tu molde de cartón, marca el diseño de tu futuro monedero con un lápiz. Si te gusta hacer un mejor diseño, recorta las puntas del molde para formar un arco (éste servirá de tapa). Al cortarlo, debe quedarte más o menos como en la foto.

2 – Una vez recortada la Goma Eva, dóblalo en tres partes, haciendo que la tapa oculte un tercio de la base de tu monedero.

3- Con los pedazos de la Goma Eva sobrante, corta dos pequeñas tiras de diferentes grosores. La más gruesa se colocará sobre la tapa o debajo de él (como prefieras), mientras que la más delgada será colocada en la base a modo de cierre.

4 – Recorta dos tiras de una extensión similar al ancho de tu monedero doblado que posea unos 2 cm de anchura aproximado. Esos servirían para colocar al costado de las uniones y conseguir un mejor acabado.

5- En este paso puedes optar por dos opciones: colocar las tiras por afuera o por adentro. Si viste el vídeo, te habrás percatado de que las coloqué adentro pero, en una primera prueba, las coloqué por afuera y quedaron como en la imagen de abajo.

6- Adorna tu monedero con el Glitter como detalle. Otra opción es añadir botones de colores en los costados, figuritas recortadas de Goma Eva en otro color e, incluso, purpurinas. En este caso opté por decorar usando Glitter con purpurina roja.

Algunas recomendaciones:

1 – Si colocas las tiras por afuera de tu monedero, obtendrás un modelo muy estrecho y de difícil apertura. Pero si las pegas por dentro (tal como se ve en el video), tendrás un monedero más amplio y con posibilidad de guardar monedas, billetes y tarjetas. Eso sí, sin exagerar por si se despega 😉

Éste sería el modelo que presenté en el video, donde coloqué las tiras por dentro y no por fuera

2- Si tienes dos Gomas Evas de distintos colores, usa una para crear el molde del monedero y, la otra, para añadirle el cierre, la tira y otros detalles. ¡Verás qué lindo te queda!

3- Trata de no sobrecargarla con demasiadas cosas. En lo posible, solo úsalo para cuando vayas a la tienda a comprar un producto en específico.

4- Prueba con guardar monedas, billetes o tarjetas para comprobar su resistencia y elasticidad. Esto es muy importante si quieres hacer este monedero con motivo de regalo.

¿Qué otros modelos de monederos se pueden hacer con Goma Eva?

El modelo que presenté en esta lección trata sobre un molde de monedero con nivel fácil y económico. Sin embargo, también puedes probar con otros diseños hechos con Goma Eva para una mejor personalización. En mi caso, usé el pedazo que me sobró al realizar los dos monederos y creé una pequeña portatarjetas de tapa recta.

En las siguientes imágenes, podrás ver otros tipos de monederos con Goma Eva pertenecientes a terceros y que te pueden dar inspiración para regalarle algo especial y único a tu mamá en su día 😉

Esperamos que estas ideas te inspiren y logres crear un hermoso monedero para tu mamá en su día. También te invito a explorar otras ideas de manualidades para regalar como las semillas de jacarandá pintadas o los cuadritos hechos con palito helado.

Y si te ha gustado esta lección, te invito a suscribirte al newsletter para recibir contenido especializado en tu correo 😉

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Breve historia del arte paraguayo en el siglo XX

El arte no se puede definir con una sola frase debido a que, a lo largo de la historia, han surgido diversos movimientos y acontecimientos que cambiaron el rumbo de las cosas, ya sea políticos, sociales o morales.

En el caso del Paraguay, la historia del arte fue diferente al de las otras regiones de Sudamérica y Europa en general. Eso es, más que nada, por haber sobrevivido a dos guerras que devastaron a la economía nacional y, especialmente la Triple Alianza, fue el conflicto bélico que casi ocasionó la desaparición total del país.

Pero, ¿Cómo fue que surgió el arte paraguayo aún a pesar de la Guerra del 70 surgida a finales del siglo XIX? ¿Cómo fue desarrollándose el arte en una sociedad conservadora en pleno siglo XX? En esta lección perteneciente al Taller de historia del arte, te explicaré brevemente cómo el arte paraguayo fue evolucionando en el siglo XX y quiénes fueron sus principales exponentes artísticos.

Secuelas de la Guerra de la Triple Alianza

Un poco después de la Guerra de la Triple Alianza, el pueblo paraguayo sufrió un retroceso cultural. Con su población diezmada, quedaba reconstruir de cero y depender por completo de influencias extranjeras. Sin embargo, no todo estaba perdido porque, gracias a los primeros becarios de la época de los López, pudieron hacer algo al respecto para brindar su aporte al arte nacional.

Pero, ¿cómo fue que el país logró salir adelante? En el siguiente video te estaré explicando brevemente lo que surgió después de la Triple Alianza. También podrás leer un esquema de las principales manifestaciones artísticas divididas por décadas.

La década del 10 y las bases del arte nacional

Durante la década del 10, un pintor italiano llamado Héctor da Ponte, contribuyó a formar a diferentes artistas del país. Asimismo, los primeros becarios que estudiaron por Europa y Buenos Aires, retornaron al suelo paraguayo para deleitar al pueblo con sus espectaculares pinceladas.

Sin embargo, los paraguayos estaban en constante crisis por cuestiones políticas y económicas, por lo cual les era imposible apreciar las maravillosas obras que traían estos artistas. Pero esto sirvió para que el país pudiese recuperar su identidad cultural y prescindir un poco de las influencias extranjeras.

Entre los artistas que podemos mencionar de este periodo se encuentran Samudio, Carlos Colombo, Alborno y Delgado Rodas.

Tradicionalismo y género caricaturezco en los años 20

En esta década destacaron dos grandes artistas del medio: Julián de la Herrería y Juan I. Solazabál. Ambos se dedicaban a distintas disciplinas pero, aún así, contribuyeron a plantear nuevos puntos de vista y establecer las bases de lo que sería el arte paraguayo de inicios del siglo XX.

Julián de la Herrería era un pintor quien, en 1920, expuso sus obras en Asunción con planteamientos posimpresionistas. Tiempo después, se interesó en la cerámica reflejando, así, las costumbres autóctonas de Latinoamérica en general. Esto ayudó a que otros artistas se inspiraran en la vida rural del país y plasmaran sus impresiones en sus cuadros.

Juan I. Solazábal, por su parte, se enfocó más en el género caricaturesco. Esto lo llevó a trabajar en periódicos para retratar con sus dibujos la vida cotidiana de los paraguayos. Si bien dicho género había sido iniciado anteriormente por Miguel Acevedo, éste se vio interrumpido por la crisis sufrida en el país por muchos años.

La tríada de pintores de los años 30

Los llamo así porque fueron tres los artistas que representaron al arte paraguayo en la década del 30: Jaime Bestad, Wolf Bandurek y Andrés Guevara. A pesar de que en este periodo surgió la Guerra del Chaco y el cambio de partidos políticos al mando, los artistas pudieron dar su aporte a la cultura nacional para evitar que se quedaran estancadas con las mismas tendencias de inicios del siglo XX.

De los tres, Jaime Bestard era el más “tradicionalista” en cuanto a su técnica artística. Si bien ya se presenciaba influencias de movimientos europeos como el posimpresionismo, algunas de sus obras poseían características abstractas y que, aún en esos años, todavía no se desarrollaron por completo en el país.

Bandurek, por su parte, era un pintor polaco que huyó de la alemania nazi y se refugió en el país. Esto hizo que sus obras se vieran reflejadas el horror de una guerra sangrienta, a la vez que transmitía sus valores y sentimientos en un entorno desconocido y a la vez familiar con respecto a situaciones trágicas de toda nación en guerra.

En cuanto a Guevara, este artista pasó gran parte en el extranjero y trabajó para importantes periódicos con sus espectaculares dibujos. En su mayoría, cada obra estaba impregnada por el costumbrismo paraguayo y la imagen que tenemos de la cultura sudamericana en general.

Inclusión y movimientos pictóricos de la década del 40

En una sociedad conservadora y machista, era poco frecuente que una mujer se dedicara al arte. Tal es el caso de Ofelia Echagüe Vera quien, enfocándose plenamente en lo pictórico, se dedicaba a retratar figuras femeninas y centrarse en el desnudo. Sus obras eran blanco de escándalos, aunque fue un factor principal para que las mujeres comenzaran a incursisonar en el arte.

Por otro lado, estaba Roberto Holden Jara y su interés en la cultura indígena. Durante la guerra del Chaco, realizó retratos de nativos para plasmarlos en sus pinturas, contribuyendo así no solo al arte en el país sino al estudio etnográfico de las distintas parcialidades indígenas.

Surgimiento del grupo “Arte Nuevo” en los cincuenta

Durante la década del 50, un grupo de artistas expusieron sus obras en una calle del país y generaron diversas reacciones ante una sociedad conservadora y más acostumbrada al arte académico. Dicha agrupación se autodenominó “Arte Nuevo” y sus integrantes fueron Josefina Plá, Olga Blinder, José Laterza Parodi y Lilí del Mónico. Más tarde se les unirían Edith Jiménez, Leonor Cecotto, Francisco Torné Gavaldá, Hermann Guggiari, Pedro Di Lascio e Ignacio Núñez Soler.

Todos estos artistas se enfocaron en cambiar el lenguaje estético del país, mostrando obras que se amoldaban a diversas técnicas artísticas provenientes de Europa y Estados Unidos. Aún a pesar del inicial rechazo que tuvieron de las demás personas, ellos moldearon sus respectivos estilos y fueron impulsores de las nuevas formas que surgirían en las décadas posteriores.

Grupo “Los Novísimos” en los años sesenta

Gracias a que el grupo “Arte Nuevo” abrió un nuevo camino en la historia del arte paraguayo, los artistas de la década del 60 se enfocaron en desarrollar el arte naif, el abstraccionismo y otros movimientos artísticos que ya habían sido tendencias en otras regiones.

Entre ellos se encuentran “Los Novísimos”, quienes estaban conformados por cuatro grandes artistas de esa época: William Riquelme, Enrique Careaga, Ángel Yegros y José Antonio Pratt Mayans. Si bien también buscaron un lenguaje propio, a diferencia del grupo “Arte Nuevo”, estos artistas ya surgieron en un entorno amigable y sensible a las diferentes manifestaciones artísticas.

La pintura, el dibujo, el grabado y la escultura en los setenta

La mitad del siglo XX se vio marcada fuertemente por la pintura. Esto cambia en el transcurso de los años 70, en donde muchos artistas decidieron probar otras técnicas como la escultura y el grabado. Asimismo, algunos nombres fueron añadidos a la entonces corta lista de artistas paraguayos y se enfocaron en brindarle un nuevo estatus a la cultura nacional.

En el ámbito del grabado podemos mencionar a Osvaldo Salerno, Edith Jiménez y Carlos Colombino, siendo este último en innovar dentro del arte con el surgimiento de la xilopintura. Asimismo, la artista Olga Blinder incursiona en este campo reinterpretando las figuras ya trabajadas en décadas anteriores.

En cuanto a los dibujantes, éstos recuperaron su valor en el arte paraguayo y surgieron grandes talentos como Jenaro Pindú, Luis Alberto Boh, Joel Filártiga y Susana Romero. En un inicio sus obras eran de un realismo extremo para, luego, pasar por formas más intelectuales.

Y, por último, no debemos olvidar la escultura que, lastimosamente, fue vedada en la cultura paraguaya. Entre los escultores más destacados se encuentra Hugo Pistilli quien, al poseer la habilidad de brinda vida a sus esculturas de hierro, fue apodado en más de una ocasión como “El poeta del metal”. Otro escultor de la époda fue Herman Guggiari, el cual se interesó por temas más dramáticos plasmados en sus esculturas.

Fotografía y medios audiovisuales como manifestaciones artísticas en los 80

A diferencia de los demás países de Sudamérica, en Paraguay apenas se había desarrollado los medios audiovisuales. Sin embargo, hubieron artistas como Juan Carlos Magnelia, quienes se interesaron en el sector cinematográfico y realizaron cortometrajes memorables y lo suficientemente significativos para marcar sus pasos en la historia del arte nacional.

Asimismo, la fotografía también incursionó en el arte contemporáneo paraguayo mediante las producciones fotográficas artísticas de Fernando Allen quien, a finales de los 80, logró dar un salto del diseño al arte.

Surgimiento de “El Aleph” en los noventa

Luego de la caída de la dictadura, el Paraguay pasó por una transición democrática en los noventa, surgiendo así diferentes manifestaciones artísticas que se volcaron por completo al arte contemporáneo.

Aquí surgió un nuevo grupo llamado “El Aleph”, cuyos integrantes se alejaron por completo de las técnicas y formas tratadas en décadas anteriores para centrarse en el arte objetual y el montaje de instalaciones. Entre ellos podemos mencionar a Marite Zaldívar, Carlos Spatuzza, Engelberto Jiménez, Fátima Martini, Marcos Benítez, Mónica Gonzáles y otros.

¿Te gustaría saber más sobre el arte paraguayo? ¡Consulta las siguientes biografías!

Colmán, R; Perez-Maricevich, F; Roldan, I; Sosa, C;   Ruiz Diaz, A (2010) “Historia Cultural del Paraguay 2º Parte” Asunción, Ed. El Lector

Blinder, Olga; Escobar, Ticio; Plá, Josefina (1997) “Arte actual en el Paraguay 1900- 1995” Asunción, Ed. Don Bosco 

Catálogo Los Novísimos 1964-1989. Galería Miró, Asunción, Julio 1988.

https://artedivague.wordpress.com/2016/06/10/la-era-digital-la-globalizacion-y-el-arte-en-la-decada-del-2000/

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Cómo imprimar un lienzo con látex

¿Te gusta pintar al óleo o al acrílico sobre tela? ¿Tienes un pedazo de lienzo crudo que quieres usar para crear una maravillosa obra? No importa qué técnicas de pintura uses, siempre necesitarás imprimar tu lienzo para lograr colores más vivos y evitar que la tela se encoja.

En este artículo te explicaré cómo imprimar un lienzo utilizando pintura látex diluida al agua. Es muy fácil y te permitirá economizar bastante en caso de que te interese realizar una producción en serie.

Materiales a utilizar

Látex blanco (de esos que se usan para pintar la pared)

Agua

Pincel chato grueso o rodillo

Lienzo crudo grueso (NUNCA imprimas un lienzo fino, porque ese se usa para vestimenta o bordados)

Cola blanca

Bastidor o una tabla de madera con pinzas para extender el lienzo

Batidora eléctrica o cuchara para mezclar

Procedimiento explicado en video

En el video explico uno de los varios métodos que existen para imprimar un lienzo. En este caso sería “Base a 3 capas de látex al agua para imprimación”

Tal como su nombre lo indica, el proceso de la imprimación lleva tres capas. Así es que explicaré brevemente la cantidad de látex, agua o cola blanca que debes mezclar en cada una de ellas.

Eso sí, recuerda tensar antes el lienzo sobre el bastidor o tabla de madera ayudándote con las pinzas de metal de alta presión. También prueba a hacer lo indicado en este artículo.

Primera capa

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Calcula un 60% de agua, 40% de látex y un chorro de cola blanca. Mezcla bien con la cuchara o batidora y, una vez listo, pasale con el pincel grueso sobre el lienzo tensado en el bastidor o tabla de madera. Si tienes rodillo, mucho mejor.

Segunda capa

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Mezcla solo el 50% de agua y el 50% de látex con la batidora eléctrica. A diferencia del anterior, esta capa es más espesa. Si la primera capa se encuentra bien seca, pasale encima la segunda capa con el pincel grueso o rodillo.

Tercera capa

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Aquí ya usamos el 100% de látex y un chorro de cola blanca. Puedes mezclar con la batidora o cuchara y pasar sobre la seguna capa con el rodillo. Dejar secar bien para pintar después sobre tu lienzo.

Sugerencias para tu imprimación

Prueba con imprimar tus lienzos pasando la tercera capa con una espátula, haciendo trazos irregulares para crear texturas. De esa forma, podrás lograr un efecto visual muy interesante e ir más allá de lo tridimensional.

Si te sobra pintura, guarda cada preparación en potes de vidrio o plástico y úsalos en cualquier momento. Eso sí, trata de no dejar pasar mucho tiempo porque se secan.

Otra forma de imprimar tus lienzos es mezclar 50% látex con 50% de enduido acrílico y un chorro de cola blanca. Una vez finalizada la preparación, pásale una sola capa a la tela y obtendrás un resultado bien resistente.

Esta técnica de imprimación sirve no solo para tela sino que, también, puedes imprimar la madera, el cartón dúplex, el fibrofácil y la cerámica.

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Qué es la línea y para qué sirve en el Arte

Como habíamos visto en el post anterior, al trazar una sucesión contínua de puntos podemos crear la línea. Así es, la línea en el ámbito del arte no es más que varios puntos unidos entre sí para conformar una composición artística.

Pero, ¿cuál es su importancia en el arte? ¿Por qué es necesario aprender sobre la línea? En esta lección te brindaré algunos ejemplos de cómo las líneas te ayudarían a mejorar en el dibujo y lograr excelentes obras de arte.

Conceptos básicos sobre la línea

Si tomamos el concepto de la línea dicho por Enrique Lipszyc, podemos afirmar que la línea no es más que una invención del dibujante para representar de forma más sencilla un objeto o una escena.

Asimismo, la línea es una invención pura del dibujante, dado que no existe en la naturaleza. Pero entonces, ¿cómo es que logramos distinguir los objetos? Más que nada por la diferencia del tono o color.

Pero en el dibujo, las líneas cumplen un rol fundamental que nos hacen distinguir los objetos, separarlos entre sí y definir las diferentes degradaciones de un color para crear las luces y los sombreados.

Para Kandinsky, la línea es en realidad un ente invisible e, incluso, le atribuye a que la línea se conforma debido a que el punto se encuentra en constante movimiento sobre una superficie plana. En este aspecto, es como si huntaras una pelota con pintura y lo lanzaras al campo de juego: verás cómo dicha pelota traza la línea gracias a su movimiento giratorio.

Tipos de líneas que existen

Línea recta: es la línea que se extiende en una sola dirección, por lo cual posee una cantidad infinita de puntos y solo tiene una dimensión.

Línea curva: al igual que la línea recta, la línea curva cuenta con una sola dimensión, con la diferencia de que se extiende en varias direcciones.

Ejemplos de obras de arte compuestas por líneas

En el ámbito artísticos, muchos artistas recurrieron a la línea no solamente para definir una forma, sino que para realizar composiciones abstractas interesantes. A continuación, te mostraré algunos ejemplos de obras de arte donde la línea es la principal protagonista, junto con el nombre del artista.

Pablo Picasso, Estudio para el Ballet Mercurio, 1918
Joao Miró, Mujer rodeada por una bandada de pájaros en la noche, 1968
Kandinsky, Composición ocho, 1923

Ejercicios de línea en dibujo

El siguiente ejercicio es muy simple. Lo único que necesitas son dos hojas blancas, un lápiz para papel, un borrador y un sacapuntas.

Lo primero que debes hacer es dividir ambas hojas en cuatro partes iguales formando una cruz. Puedes ayudarte con una regla.

Luego, en una de las partes, traza líneas rectas paralelas en horizontal repetidas veces hasta completar el bloque. ¡Ni siquiera se te ocurra usar la regla!

En el segundo bloque, traza líneas rectas paralelas en vertical. En los siguientes bloques, traza líneas en diagonal. Te tienen que quedar más o menos como en la imagen:

En la segunda hoja trabajaremos las líneas curvas. Repite el mismo proceso que el anterior, solo que, esta vez, traza pequeñas ondas para generar esa sensación de movimiento.

No te desalientes si no te sale bien a la primera. Estos ejercicios solo sirven para mejorar el pulso en el dibujo y poder crear objetos bien definidos. Recuerda que la práctica hace al maestro 😉

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¿Qué es un collage? Breve historia y un ejercicio para practicar en casa

El collage es una técnica artística surgida a inicios del siglo XX y cuyos pioneros fueron Pablo Picasso y George Braques. La mismoa consiste en pegar imágenes de distintos tamaños sobre un papel o lienzo para representar algún cuadro. Si bien es más común su uso en la pintura, hoy en día también se recurre al collage en el cine, la literatura y el videoclip.

Entre las imágenes que se usan para crear un collage se encuentran las fotografías sacadas de periódicos, revistas o incluso fotos familiares. Sin embargo, también es posible cortar pedacitos de cartulina de colores para crear una composición figurativa, tal como lo apreciarás en el siguiente ejemplo:

Fuente: Dibujos.net

Algunos artistas llegan a usar fragmentos de textos, letras recortadas de periódicos, pedazos de cartón corrugado, telas con textura extraña, hojitas o cualquier objeto de la naturaleza y que les ayude a desarrollar su creatividad. En las siguientes imágenes podrán apreciar más ejemplos para que se inspiren con esta técnica.

Collage de Gabriela Mejías
Collage de Juan Gris
Collage de Laineys Repertoire – Fuente: Wikimedia commons
Collage de  Mr TT. Fuente: Unsplash
Collage digital de Stefan Keller. Fuente: Pixabay

¿Qué te parece realizar un ejercicio?

Ahora que tienes una idea de qué es el collage, te propondremos este sencillo ejercicio para practicar en casa. Solo necesitas un papel en blanco del tamaño que quieras, una revista vieja, unas tijeras y un pegamento.

El ejercicio consiste en abrir la revista y recortar cualquier figura que encuentres en ella, ya sea la cabeza de algún famoso, algún electrodoméstico de una sección publicitaria o una prenda. Repite el proceso otras dos o cinco veces hasta tener recortada varias figuras.

Antes de usar el pegamento, mueve tus figuras recortadas sobre el papel realizando tu propia composición. Actúa como si intentaras armar un rompecabezas. ¿Por qué no probar con algo atrevido en esta ocasión?

Una vez que estés satisfecho con tu armaje creado, comienza a usar el pegamento con cuidado. Usa una regla si quedan globos sobre la figura pegada. También puedes ayudarte con un pincel para esparcir el pegamento y evitar que éste se desborde por los costados.

¡Y listo! ¡Ya tienes tu figura armada! 😉

Fuentes usadas para crear esta lección:

https://es.wikipedia.org/wiki/Collage

https://adrianabermudez.com/los-mejores-ejercicios-de-collage-para-desarrollar-la-creatividad/

https://actividades.dibujos.net/dibujar/aprendemos-a-dibujar-con-la-tecnica-del-collage.html

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Qué es el punto y el porqué es importante en Educación Artística

¿Sabes cuál es el elemento gráfico más pequeño? Si le preguntas a un profesional, te dirá que es el punto. Y eso es porque no posee dimensión alguna y, aún así, genera una fuerte atracción visual al ser plasmado en un papel en blanco.

El punto es la unidad más simple en las Artes Plásticas

Las Artes Plásticas considera que el punto es el origen de las demás formas existentes, además de que otorga un equilibrio en la composición visual. Si es trazado en solitario, genera una fuerte atracción al espectador, por lo cual es necesario dibujarlo en el medio del papel para brindar una sensación de equilibrio.

Pero, ¿qué pasa si colocas el punto en otros extremos de la hoja? Te mostraré algunos ejemplos de puntos descentralizados y dejaré que juzgues tú la sensación visual que ocasiona su presencia.

Ejemplo de punto 1
Ejemplo de punto 2

Si has sentido una sensación de inestabilidad visual, es porque el punto está forzando a tu ojo a redirigirse hacia otra dirección. Por lo general, este recurso es bastante útil para realizar spots publicitarios e, incluso, ilustrar un scketch.

¿Qué pasa si trazamos varios puntos en un papel?

En Educación Artística, un conjunto de varios puntos trazados en un papel pueden formar una línea.

Asimismo, también es posible crear composiciones geométricas y efectos volumétricos para representar objetos tridimencionales. Eso es porque se pueden trazar de forma concentrada o dispersa, logrando así una representación visual muy interesante.

Para lograr un efecto de sombreado, puedes acumular muchos puntos para generar la sombra y dispersarlos en donde alcanza la luz

¿Qué artistas compusieron sus obras de arte con el punto?

A lo largo de la historia, surgió un movimiento conocido como “Puntillismo”, el cual consistía en crear formas volumétricas usando tan solo los puntos para dar la sensación de color, sombreado y luminocidad. El pionero de este movimiento se llamaba Georges Pierre Seurat cuyas obras más famosas son éstas:

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1884)
La torre Eiffel (1889)

Al usar puntos de diferentes colores, es posible crear diversas tonalidades de un objeto y representar un paisaje bien colorido, tal como podemos apreciar en las obras de Georges Seurat.

Ejercicio básico de puntillismo para principiantes

Si te interesa practicar el puntillismo, puedes hacerlo desde tu casa. Tan solo debes descargar e imprimir el siguiente dibujo o, si no te agrada, hacer tus propios diseños. Trata de hacer una composición bien sencilla para no agotarte con los ejercicios.

Como el dibujo es una manzana, usaremos marcadores color rojo, marrón, verde claro y verde oscuro. Trata de que las puntas no estén tan gastadas, para así crear puntos bien definidos.

Comienza por el borde interior de la manzana con el marcador rojo y rodea la fruta de a poco. A medida que avances en tu círculo, separa los puntos hasta que el centro quede en blanco. A continuación te presentaré una imagen de cómo debería quedar tu composición, la misma está en blanco y negro pero espero que te sirva como ejemplo.

En cuanto a las hojas, puedes puntear con el color verde oscuro la parte de las líneas y, luego, rellenarlo con puntos verdes claros. Y si quieres brindarle mayor realismo, prueba con intercalar los puntos rojos con amarillos cerca del centro.

En las siguientes imágenes podrás apreciar diferentes estilos de manzanas dibujadas únicamente con puntos.

Como puedes apreciar, el puntillismo ofrece muchas posibilidades. Sin embargo, se requiere de mucha paciencia para practicarlo y lograr con ella perfectas obras de arte.

Próximamente haré un video sobre el punto en Educación Artística y realizaré algunas composiciones propias para que puedas practicarlo en casa.

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